LATINOAMERICA Colección Daros

Colección suiza de arte latinoamericano

Daros tiene uno de los mayores patrimonios de arte
contemporáneo de América latina, con más de más mil obras de
cien artistas. La muestra presenta una selección y una mirada.

Rodrigo Alonso

La Colección Daros Latinoamérica posee uno de los repertorios de arte latinoamericano más importantes del mundo. Su mirada, netamente contemporánea, se aparta de las versiones regionalistas y folclóricas para ofrecer un panorama de producciones reflexivas y críticas, en sintonía con lo mejor del arte actual. Dentro de la diversidad de piezas y orientaciones que la componen, es posible, no obstante, encontrar senderos que señalan ciertas preocupaciones comunes. Las tensiones geopolíticas, las violencias públicas y privadas, las resistencias y utopías, el cuerpo como sede del conflicto social son algunos de los tópicos abordados por las obras escogidas para conformar esta muestra.

Q Mapas y banderas. Uno de los ejes problemáticos más habituales en el arte latinoamericano se centra en su propia existencia y en la del área geográfica a la que supuestamente representa. Para muchos autores, la noción de una América latina es externa a la región y, por lo tanto, debería ser erradicada como factor de identidad común.

El inmenso planisferio realizado con residuos tecnológicos por Vik Muniz (ubicado en la sala 2) se instala en este terreno movedizo. En su obra WWW (World Map) [WWW (Mapamundi), 2008] nos ofrece la visión de un planeta cooptado por teclados y computadoras, al punto de perder cualquier tipo de especificidad natural o geográfica.

Donna Conlon recurre al humor para brindar su visión acerca del mundo globalizado en su video Coexistencia (2003), exhibido en la sala 1. Aquí, un conjunto de banderas y símbolos de paz se confunden en la frenética labor de un grupo de hormigas indiferentes a las connotaciones de su carga. En cambio, la bandera argentina estaqueada que presenta Fabián Marcaccio introduce tonos dramáticos de resonancias históricas y políticas.

Nadín Ospina entrecruza personajes de la cultura mediática norteamericana con las formas escultóricas de herencias artísticas ancestrales. Firmes y ostentosos, e imbuidos de una autoridad casi totémica, nos invitan a pensar tanto en el legado que constituirá el pasado cultural de las futuras generaciones, como en la antigüedad que adoramos. La obra de Darío Escobar, La anunciación (2000), también hace referencia a la antigüedad artística desde la sátira y la parodia. El paño de tela a medio abrir transforma a su título en un juego de palabras: ¿se refiere este a la escena pintada en el interior o al futuro develamiento de la imagen?

Humberto Vélez suma su cuota de humor a esta revisión del mundo del arte pero centrándose en el circuito contemporáneo. Apropiándose de la transmisión de una carrera de caballos, relata en estos términos las vicisitudes de la incesante corrida por la búsqueda de legitimidad y reconocimiento.

Q Memoria, violencia y cotidianidad. La reconstrucción institucional, la recuperación de la memoria histórica, el restablecimiento de la cohesión comunitaria tras las profundas heridas dejadas por esos años oscuros, afectan de manera singular al presente y al futuro de las personas que las habitan. Estos tópicos también aparecen con asiduidad en los trabajos de los artistas de la zona, aunque muchas veces lo hacen en formas indirectas o muy sutiles.

Mauricio Alejo ejercita la sutileza de manera ejemplar. En su video Memory (Memoria, 2003), pone de manifiesto, a través de pequeñas acciones, el empeño que poseen los cuerpos por recuperar estados anteriores, como metáfora quizá, de la insistencia de los legados ancestrales y las proyecciones del pasado en el presente. Por su parte, en Resistencia (1999), Gonzalo Díaz escribe la palabra que da título a la pieza con los alambres de una resistencia eléctrica, en una operación conceptual que no oculta sus connotaciones alegóricas al calor de la lucha y el pensamiento. Los dibujos de Los Carpinteros poseen una cuota de nostalgia y otra de utopía. Sus objetos de madera de la serie Downtown (2003) se ubican a medio camino entre el mobiliario suntuoso y la arquitectura.

Doris Salcedo, en cambio, remite a la violencia doméstica, a los espacios clausurados, al objeto sensible, ameno, que se torna opaco y repelente. Su compatriota Juan Manuel Echavarría elige otra vía para abordar los trances de su país. En el video Bocas de ceniza (2003-2004), trabaja con sobrevivientes de diferentes acontecimientos violentos que formulan una canción como medio para transmitir su testimonio y exorcizar su experiencia.

El trabajo de Teresa Serrano desplaza la relación entre política y objetos domésticos hacia el ámbito eclesiástico. En Blown Mold (Molde soplado, 2012) presenta cuatro de los sombreros más representativos de la Iglesia Católica, soplados en vidrio y sobre una repisa, como los frágiles emblemas de una autoridad en creciente entredicho.

Con las cajas musicales de 12 Short Songs (12 canciones breves, 2009), Jorge Macchi establece una ocurrente interrelación entre economía y domesticidad. Un conjunto de titulares financieros perforados sobre tiras de papel, ponen en funcionamiento el mecanismo de un dispositivo que los transforma en música.

Milena Bonilla en su trabajo El Capital, Manuscrito Siniestro (2008) transcribe con su mano izquierda los textos del filósofo alemán, produciendo un volumen, en tapas duras con letras doradas, al que denomina “edición de lujo”, limitado a tan solo diez ejemplares. Al mismo tiempo, realiza una “edición económica”, de tapas blandas que vende en librerías y espacios de arte. Finalmente, edita una “versión pirata”, fotocopiada, que regala en librerías callejeras.

Leandro Erlich desarrolla una aproximación por completo diferente a los espacios domésticos. En Las puertas (2004) –presentada originalmente en la Bienal de San Pablo–, el artista nos enfrenta a un conjunto de puertas que parecieran conducir a una sala luminosa, pero no lo hacen. El engaño de la percepción, la frustración, el desconcierto forman parte de las estrategias con las cuales Erlich dinamita las rutinas y los lugares comunes.

Q El cuerpo y las marcas sociales. Desde otra perspectiva, los cuerpos son y han sido objeto de injerencias específicas por parte de agentes y acontecimientos históricos, políticos y sociales. Los archivos fotográficos que presenta Rosângela Rennó evidencian ciertas prácticas comunes al interior de la comunidad penitenciaria, pero también, la singularidad de estos rasgos de individuación en contextos de marginalidad social. En cambio, el frágil cuerpo de Regina José Galindo, castigado por el agua en Limpieza social (2006), exalta la magnitud de la violencia de un conocido procedimiento represivo sobre un ser quebradizo e indefenso.

Nicola Costantino ofrece una aproximación por completo diferente al cuerpo y sus superficies. Utilizando como base sectores corporales habitualmente velados –como las tetillas, los ombligos y los anos, todos masculinos– realiza telas artificiales en las que estos conforman patrones decorativos, y confecciona con ellas vestimentas femeninas de lujo.

Trabajando con personas mutiladas por las diferentes escaladas de violencia que asolaron a Colombia en los últimos años, Miguel Angel Rojas aporta una profunda mirada sobre las consecuencias más trágicas del conflicto político. Algo similar sucede con Trepanaciones. Sonidos de la morgue (2003) de Teresa Margolles.

Por su parte, Marcos López recurre a la parodia para abordar los ecos de la violencia política en la Argentina. Tomando como referencia la célebre fotografía de Freddy Alborta sobre la muerte del Che Guevara, construye una escena oscura, aciaga, en la cual un grupo de médicos extrae una bala del cuerpo de una mujer. (Autopsia, 2005).

Finalmente, Letter on the Blind for the Use of Those Who See, de Javier Téllez, introduce una brisa de intensa emotividad en cuanto a las relaciones entre cuerpo y sociedad. El video registra la primera aproximación de un grupo de ciegos al conocimiento de un elefante, a través de la apreciación táctil de su piel, su volumen y sus formas. El experimento es conmovedor, no solo para quienes lo llevan a cabo, sino principalmente para el espectador

* Curador de la muestra junto con Katrin Steffen. Fragmentos del texto escrito especialmente para la exposición.

Una muestra de Sophie Calle en el Centro Cultural Kirchner

Pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, obras de arte textil y videos realizados por más de 50 artistas de distintas provincias se exhiben en cinco salas del Centro Cultural Kirchner, inaugurado hace un mes con una muestra de la francesa Sophie Calle

por Julio Sanchez

Interfaces, una antología posible es el puntapié inicial de la programación local del Centro Cultural Kirchner. Surgido para estimular el intercambio entre las provincias, el proyecto Interfaces es una iniciativa de la Dirección de Artes Visuales del Ministerio de Cultura de la Nación, dirigida por Andrés Duprat, con aportes del Fondo Nacional de las Artes. En la última década se presentaron 37 exposiciones en 25 ciudades, con 24 curadores y más de 170 artistas; Duprat les encomendó a Fernando Farina, Florencia Battiti y Leila Tschopp que organizaran esta "antología posible". El resultado es un heterogéneo panorama de 52 artistas cuyas obras se distribuyen en cinco salas del sexto piso del monumental centro, inaugurado hace un mes con obra de la francesa Sophie Calle.

Superado el impacto arquitectónico que provoca el ex Palacio de Correos, se puede disfrutar de una producción pensada, seria y de alta calidad. ¿Por qué pasa esto en el interior del país? A riesgo de caer en una visión romanticista, se puede creer que los oropeles del mercado y de la vacua celebridad porteña no son un aliciente para estos artistas y que, por lo tanto, el compromiso con el arte resulta más visceral y sin especulaciones.

Las antologías generan el desafío de detectar tendencias, poéticas, estéticas o incluso nuevos soportes. Además de videos (Sebastián Díaz Morales y otros) y pinturas (Fermín Eguía y otros) hay mayoría de objetos e instalaciones, mientras que el arte textil gana terreno de igual forma que los efímeros dibujos sobre pared.

La randa es un delicado tejido de encaje que los tucumanos tratan de salvar redireccionándola, ya que pocos hogares usan la "carpetita" para apoyar adornos; así es como Carlota Beltrame encargó esta tradicional artesanía a randeras que bordaron el rostro del Che, el de Evita, siglas guerrilleras como ERP y FAL, la hoz y el martillo y algunas consignas de Juan Domingo Perón. Bajo el título La utopía, esta serie parece rescatar de la extinción tanto la randa como esas ideologías.

También recurren al textil la misionera Mónica Millán -con Anotaciones, un collage de telas bordadas y cargadas de memoria que viene recolectando desde 1982-, y Julia Acosta, de Paraná, que recorta pedazos de telas multicolor para crear dos volcanes gemelos de lava violeta -uno que explota hacia arriba y otro hacia abajo-, una tormenta que no llega y montañas que hablan con globitos de historieta. Y hay más en los seis suéteresque tejió la sanjuanina Claudia Pérez De Sanctis, con larguísimas mangas que se entrecruzan en una ronda de inmóviles maniquíes.

La violencia latente se hace presente en los tres cuchillos grabados por la bahiense Elena Warnes con las palabras "yugular", "pulmón" y "corazón", dolorosa metáfora de los tiempos violentos que vivimos los argentinos ahora y siempre. El retrato del Che (la foto famosa de Korda graficada por Jim Fitzpatrick) fue reconstruido con tapitas plásticas de Coca-Cola por el mendocino Edgar Murillo; una síntesis acertada que alude a la dificultad de sostener una ideología de izquierda en un sistema capitalista sin caer en la contradicción.

Desde Tucumán, Natalia Lipovetzky apostó a una carbonilla sobre el muro: un enorme lobo salvaje acecha a un conejo apenas insinuado que bien podría mimetizarse en la nieve o evocar la insuperable liebre de Alberto Durero; también Viviana Blanco, de Bariloche, utilizó el muro para un dibujo efímero.

Un tierno homenaje a los carteros hace el tucumano Sandro Pereira con una pequeña escultura (¿autorretrato?) que parece proyectar una sombra sobre la pared conformada por miles de palabras que dicen "gracias". El ejercicio de escribir palabras reiteradas veces como si fuera un mantra evoca una obra del conceptualista estadounidense John Baldessari, No voy a hacer más arte aburrido, o la de su compatriota Tom Friedman, que escribió con una lapicera su propio nombre y apellido en espiral circular de afuera hacia adentro hasta que se terminó la tinta sin poder llegar al centro (hábil metáfora de la desaparición del yo).

El misionero Mauro Koliva creó una instalación de objetos de apariencia orgánica, coloridos y brillantes como alebrijes, esa multicolor artesanía mexicana. Hay intenso contrapunto entre el minimalismo del neuquino Ariel Mora y el barroquismo de la santafesina Rosana Storti. El primero quiere llegar al grado cero del objeto con una escultura casi invisible constituida por cuatro delgadísimas cuerdas que arrancan en el piso y culminan en un cuadrado en el cielo raso; apenas se puede ver con el flash de una cámara, dado que fue construida con un fina cinta refractante. En el otro extremo está Storti con una curiosa instalación al mejor estilo Hirschhorn, es decir, una acumulación de objetos sin aparente sentido. Simulacro de una partida, sin embargo, parece estar diagramada con mucho orden pues los objetos múltiples se suman en una espiral cuadrada desde el centro hacia afuera, y en un perímetro rectangular con dos entradas estrechas. El exceso de objetos cotidianos, sobre todo aquellos que se guardan a pesar de su obsolescencia tecnológica (diapositivas, casetes y VHS) o falta de uso, podría provocar un agobio sin fin. Este formato de acumulación corre el mismo riesgo que otrora el action painting de Jackson Pollock: es tan fácil hacerlo que fácilmente puede perder sentido.

Los anillos de Saturno parecen desplazarse en el espacio acompañados de varitas mágicas dejadas al olvido por varios magos en la instalación del marplatense Daniel Joglar, de una sutileza inigualable. Una catástrofe de dimensiones domésticas ocurre con la estantería que se quiebra y deja caer una lata de Nesquik sobre el estante inferior, que también está a punto de sucumbir por el peso del cacao; éste es el drama creado por el platense Nicanor Aráoz.

Desde Corrientes, Lucas Vera desafía las categorías tradicionales con sus tallas en madera de la Virgen de Itatí, el Gauchito Gil y tres crucifijos. ¿Es arte, es artesanía o simplemente imagen devocional? La duda se acentúa al comprobar que apenas altera la iconografía sagrada. El arte se entiende siempre desde su gran continente que es la historia del arte, revisitada una y otra vez, tal como lo hace el chaqueño Diego Figueroa con su figura realizada con cinta de embalar color carne. Un muchacho de pelo revuelto, vestido apenas con un short y calzado con mugrientas zapatillas de tela. La figura desplaza su cadera a un lado, lleva una bolsa de naranjas en una mano y levanta la otra para llevarse una naranja a la boca en una posición semejante a la del David tallado por Miguel Ángel.

El recorrido termina con dos correntinos: en una performance fotográfica, Leo Almada convirtió a la multifacética Mati Obregón en una singular sirena del acuífero guaraní, una ninfa voluptuosa que nada entre los juncos de los esteros. Más obras completan un panorama optimista en la producción federal, tanto o más vigorosa que la porteña.

Interfaces. Una antología posible en el Centro Cultural Kirchner (Sarmiento 151), hasta el 15 de agosto

arteBA

Jacopo Crivelli Visconti: "arteBA es una de las feriasmás importantes del mundo"

El curador de la sección más internacional de la feria asegura que la escena argentina es excelente

por Celina Chatruc

"No sé qué va a hacer Pablo exactamente", dice relajado Jacopo Crivelli Visconti días antes de que inaugure arteBA. El joven curador italiano, readicado en San Pablo, se refiere a uno de los artistas internacionales que están realizando obras en Buenos Aires para presentarlas en U-Turn Project Rooms by Mercedes-Benz, la sección a su cargo en una feria que él define como "una de las más importantes del mundo".

-Demuestra una gran apertura de tu parte que no sepas lo que va a hacer Pablo Pinjnappel.

-En una feria tienes menos control que en una exposición convencional, pero a mí me gusta esto de las ferias. Por un lado son menos abiertas, si piensas en el mercado, pero por el otro son más parecidas al formato antiguo de las bienales, cuando no había un curador que pensara el conjunto. Claro que hice la selección de los artistas y conozco su trabajo, pero siempre me parece bien dejar un margen de libertad.

-¿Cómo ves la escena argentina?

-Me encanta. Creo que es mucho mejor que la de Brasil, en el sentido de la calidad de la programación institucional. Fundación Proa siempre ha tenido una programación buena, pero al Mamba y al Malba han llegado en los últimos dos años personas muy respetadas internacionalmente, que están imprimiendo una línea curatorial muy clara. Esto es fundamental para que se forme un público. En el contexto latinoamericano en general, y comparando con Brasil más específicamente -que es lo que conozco mejor-, me parece que es una coyuntura excelente. Y es importante que esto pase en países que no están en un buen momento económico.

-¿Por qué?

-Porque me parece que cuando hay mucho dinero, las cosas no funcionan siempre tan bien. Es un poco lo que ha pasado en Brasil. Yo soy muy optimista en relación con la crisis que llega a Brasil. Creo que cuando hay momentos de crisis, la gente se organiza mejor. Y hay más tiempo para pensar. Porque el mercado, cuando es muy dinámico, demanda respuestas rápidas. Al principio piensas que va a ser un problema, pero luego logras sobrevivir y tienes tiempo para reflexionar más. En nuestro contexto cultural en general, es fundamental. Porque igual ricos no vamos a ser nunca.

-A nivel mundial, ¿cómo ves ubicada a la Argentina? Porque arteBA Fundación apunta a posicionar la feria entre las cinco mejores del mundo...

-Es complicado decir "entre las cinco mejores" o "entre las cinco peores". Me refiero a definir qué es una feria importante. El 99% de las personas a las que les preguntes por Art Basel va a decir que es la feria más importante del mundo. Pero ¿cuál es el impacto que la feria tiene sobre el contexto artístico o cultural de Basilea? Es una pregunta mucho más difícil de responder. ¿Cuántos artistas han salido de Basilea?

-Eso para vos es importante.

-Para mí es un criterio. Creo que es el criterio que arteBA se ha propuesto desde el principio y me parece genial; arteBA es una fundación sin fines de lucro y tiene la visión de que la feria es una manera de hacer crecer el país o la escena cultural artística específicamente, sin un fin comercial. En ese sentido, puede tener un papel fundamental más importante que Basel o Frieze, o que otras ferias que son consideradas más importantes. No va a ser nombrada entre las cinco ferias más importantes del mundo, pero creo que lo que importa es lo que logra para la escena local. Y si lo miras así, ya es una de las ferias más importantes del mundo. En el sentido de la repercusión que tiene en su contexto.

MoMA

En un esfuerzo titánico por reflejar mejor la construcción producida al sur de Estados Unidos, el museo neoyorquino exhibe más de 500 trabajos originales realizados durante un cuarto de siglo, de 1955 a 1980. La exhaustiva investigación muestra respuestas similares a problemas que no distinguen fronteras

por Rafael Mathus Ruiz

NEW YORK.- Fuerte Apache. El estadio mundialista de Mendoza. La Biblioteca Nacional de Buenos Aires. El edificio de la Cepal en Santiago de Chile. La Plaza de los Tres Poderes de Brasilia. Todo eso junto se puede ver en un mismo lugar, en Nueva York.

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de esa ciudad culminó el domingo pasado un trabajo de cinco años con la apertura de la exhibición América Latina en construcción: arquitectura 1955-1980, un intento por darle una mayor presencia a la creatividad de la región en Estados Unidos y, así, ampliar y elevar la conversación sobre su aporte a la arquitectura global.

No es la primera vez que el museo ensambla una muestra sobre arquitectura en América Latina. La primera vez fue hace sesenta años, en 1955. Por su escaso contenido, esa exhibición quedó en la memoria como un intento fallido por mostrar lo que ocurría al sur de Estados Unidos. Esta vez, el MoMA se esforzó por reflejar mejor la construcción regional, un esfuerzo único en el que se combinan el caos político, la ineludible influencia europea, la religión, el desarrollo y la migración a las ciudades.

"El objetivo de esta exhibición es corregir el hecho de que no aprendí nada sobre América Latina al estudiar para tres títulos de historia del arte", dijo el curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA, Barry Bergdoll, al presentar la muestra. "Si la próxima generación de libros de texto es diferente, habremos tenido éxito", completó sobre el final. Bergdoll, autor intelectual de la muestra, la definió como una investigación histórica que busca abrir al público los laboratorios arquitectónicos de la región.

La exposición reúne más de 500 trabajos originales que en su mayoría nunca han sido exhibidos y abarca un cuarto de siglo, de 1955 a 1980. Un tiempo durante el cual "se crearon sorprendentes obras a las cuales nunca se les han reconocido del todo su lugar en los anales de la historia de la arquitectura moderna", según el museo. Es, además, el período del desarrollismo en la región.

La primera sala, que sirve de introducción a la muestra, está dedicada a los años previos a 1955. Allí se resume la historia del desarrollo de siete ciudades: Buenos Aires, Montevideo, San Pablo, Río de Janeiro, Caracas, México D.F. y La Habana. El pasado de cada ciudad se hace presente con un video en blanco y negro que lleva a principios del siglo XX.

Las elegantes salas del MoMA, amplias, de techos altos y bien iluminadas, ofrecen quizá uno de los mejores espacios para una muestra de arquitectura. El museo le dedicó su amplía galería en el sexto piso, donde, a primera vista, la exhibición abruma: hay infinidad de trabajos, incluidos maquetas, fotografías, bosquejos, planos y dibujos. Se rescataron varias "perlas", como el primer bosquejo de Lúcio Costa de Brasilia, un puñado de trazos grises en un sobre que el tiempo volvió amarillento.

Junto a Bergdoll trabajaron Patricio del Real, del MoMA, el argentino Jorge Francisco Liernur, de la Universidad Torcuato Di Tella, y Carlos Eduardo Comas, de la Universidad Federal do Rio Grande Do Sul, de Porto Alegre, Brasil. Hubo, además, un comité de asesoría de toda América Latina.

"No quisimos mostrar los países y su arquitectura, sino lo que tienen en común: la cultura ibérica y la religión católica, pero sobre todo los problemas que comparte el continente. Las soluciones a veces coinciden de un lado y otro de las fronteras y no necesariamente son nacionales", explica Liernur.

La exhibición explora trazos entre obras emblemáticas de la región, puntos de encuentro a la hora de pensar y diseñar edificios y espacios. La mayoría de las obras están concentradas en la galería principal, dividida con tabiques abiertos que invitan a buscar con la vista esos puntos de encuentro.

Brasilia, uno de los ejemplos de planificación urbana moderna más impactantes del mundo, y el nacimiento de la "ciudad universitaria", un experimento regional radical, son algunos de los conceptos destacados de la muestra. Allí sobresale la sede de la Universidad Autónoma de México (UNAM). También hay un espacio dedicado a las formas en las cuales la región lidió con los problemas de vivienda. La Argentina aporta una respuesta: Fuerte Apache.

Hay reseñas de edificios que crearon una nueva permeabilidad entre el espacio interior y exterior: el Jockey Club de Río de Janeiro y el Teatro General San Martín de Buenos Aires, de Mario Roberto Álvarez y Macedonio Ruiz, y obras de Clorindo Testa, como el edificio del Banco Hipotecario (antes, el Banco de Londres) o la Biblioteca Nacional. Otras piezas llaman la atención, como el estadio mundialista Malvinas Argentinas, de Mendoza, construido durante la dictadura militar para el Mundial de 1978. Esa inclusión, que puede descolocar, abre una reflexión. "Tiene un gran valor en relación con el paisaje. Es un plato enterrado en la arena. En ese sentido, es muy delicado. Imaginate poner en ese lugar el Monumental", explica Liernur.

La muestra es la culminación de un esfuerzo hercúleo. La idea original, de Borgdell, surgió poco después de que asumió su puesto en el MoMA, en 2007. Liernur recordó que comenzaron a conversar sobre este tema "por 2011 o 2012". Hubo un extenso trabajo de campo, con decenas de viajes, reuniones y pedidos. La lista de agradecimientos, desde ya, es extensísima.

"En cada país hay muchísima gente que nos ayudó -señala-. Tratamos de conectarnos con quienes nos permitieran interpretar y conocer mejor cada lugar. Empezaron a aparecer cosas increíbles que nunca habían sido rescatadas".

Ficha: América Latina en construcción: arquitectura 1955-1980, editado por el MoMA.

Cai Guo- Qiang

por Celina Chatruc

Con sus propias manos, cada día durante un mes, un grupo de hombres cava hoyos en Pourrières, una pequeña ciudad del sur de Francia. Entre ellos se cuenta Cai Guo-Qiang, el hombre que llenará de pólvora esos cuarenta y cinco "cráteres de meteorito" que simbolizan la historia de la Tierra, los unirá con una mecha de ochocientos metros de largo y los hará estallar al atardecer, para que el humo y las llamas se fundan con el sol poniente. Con esta imagen apocalíptica, el artista chino busca hacernos recordar que algún día todo lo que conocemos desaparecerá.

"Los planetas y las estrellas nacen de explosiones y mueren en implosiones: ése es el destino de todas las cosas vivas. El objetivo de este proyecto era despertar conciencia en la humanidad sobre la importancia de nuestro entorno, para que veamos su destino desde una perspectiva que vaya más allá de nuestro propio planeta", explica Cai sobre esta primera performance en Occidente que marcaría en 1990 un punto de inflexión en su carrera.

Mañana, cuando inaugure en Fundación Proa su primera muestra en la Argentina, Cai demostrará una vez más por qué es considerado uno de los artistas contemporáneos más destacados del mundo (ver aparte). Después de haber visitado Misiones, Salta y Buenos Aires, decidió que el conjunto de obras inspiradas en nuestra cultura se llamaría Impromptu, como las piezas musicales basadas en la improvisación. El trabajo realizado en Buenos Aires con estudiantes locales se completará el 24 de enero sobre el Puente Avellaneda, con uno de sus famosos "proyectos de explosión" que buscan conectar al hombre con otra dimensión a través de una experiencia impredecible y efímera.

"Durante varios años me intrigaron dos ideas: la percepción visual desde el universo y la interacción entre el hombre y el cosmos -escribe Cai en uno de los textos del catálogo-. El principal medio que utilicé para experimentar con esas ideas fue la pólvora, con la esperanza de que los momentos de explosión se fundieran en el movimiento continuo que no se detiene desde el big bang."

Con ese espíritu que busca ampliar la perspectiva humana apelando a la ancestral "medicina de fuego" creó su serie Proyectos para extraterrestres. Uno de ellos consistió en sumar a la Muralla China un tramo humeante que se adentraba diez mil metros en el desierto de Gobi. Ese cuestionamiento sobre la necesidad primaria de levantar muros tangibles e intangibles se reiteraría en su imponente instalación Head On, realizada en 2006 Berlín, que representó a una manada de lobos chocando una y otra vez contra una pared de vidrio. Los animales simbolizan, en sus obras, una humanidad cada vez más enferma y agresiva.

Nacido en Quanzhou, antigua ciudad que llegó a ser uno de los puertos más grandes del planeta, ese chico que creció en un ambiente intelectual y observando cómo su abuela evocaba los mundos invisibles de sus antepasados decidió convertirse él mismo en un puente intercultural. Con un hábil manejo de distintas disciplinas -dibujo, instalación, video y performance- llegó a ser un artista-etnógrafo que lograría unir opuestos: la tradición con lo contemporáneo, lo físico con lo metafísico, Oriente con Occidente. En 1995, en uno de sus típicos gestos rituales, transportó en un barco pesquero a la Bienal de Venecia las hierbas medicinales que Marco Polo había "olvidado" llevar a esa ciudad cuando partió de Quanzhou setecientos años antes.

De su padre pintor y de su formación durante la Revolución Cultural de Mao, Cai heredó la idea de que cualquier cosa que rompa las reglas es buena. Pero en lugar de enfrentarse con sus tradiciones las usó como base para integrarlas y trascenderlas. Sus proyectos suelen involucrar a voluntarios de todo el mundo porque está convencido de que el arte y la cultura pueden transformar la sociedad.

"Desde que los seres humanos empezaron a reconocer fronteras entre las naciones, hemos usado la pólvora para resguardar esas líneas artificiales que originariamente nunca existieron. Y lo seguiremos haciendo", observa Cai. Y agrega: "Los extraterrestres y los superhombres ignoran las fronteras nacionales. Eso debería hacer la humanidad: intentar obtener una visión más amplia del horizonte sin fin del universo".

ADN CAI GUO-QIANG

 

Quanzhou, 1957

Es uno de los artistas contemporáneos chinos más consagrados a nivel mundial, junto con Ai WeiWei y Yue Minjun. Sus obras integran dibujo, instalación, video y performance. Estudió escenografía en la Academia de Teatro de Shanghái. Entre 1986 y 1995 vivió en Japón, donde comenzó a trabajar con pólvora en sus dibujos. Luego experimentó con explosivos en gran escala. Entre otros premios obtuvo en 1999 el León de Oro en la Bienal de Venecia, donde curó en 2005 el primer pabellón nacional de China. En 2008 dirigió los efectos especiales de las ceremonias de apertura y cierre de los Juegos Olímpicos en Pekín. Actualmente reside en Nueva York y exhibe en todo el mundo.

Ficha. Impromptu de Cai Guo-Qiang en Fundación Proa (Av. Pedro de Mendoza 1929), desde mañana hasta marzo de 2015. Proyecto de explosión: 24 de enero en el Puente Avellaneda.

@cchatruc.

Arte: balance de año

Por Alicia de Arteaga

Cierra un año espectacular para el arte contemporáneo que dio el gran sorpasso de la historia al cosechar en una sola sesión de subasta 850 millones de dólares (ver aparte). Objeto de deseo de los nuevos compradores, muchos de ellos salidos de las usinas punto com, el arte de la segunda mitad del siglo XX dejó atrás a los impresionistas y a los viejos maestros para expandir su radio de acción. El gran favorito mediático es Jeff Koons, por la extraordinaria difusión de su obra -su Pantera rosa ilustra la tapa de esta edición- y por algunos hitos logrados en una carrera meteórica de alta espectacularidad. Saltó al estrellato cuando su perro de flores fue instalado en las puertas del Museo Guggenheim de Bilbao y los vascos dijeron a coro sobre el fabuloso edificio de titanio de Frank Gehry: "Pues qué bonita es la caseta del perro".

 

Jeff Koons es el artista vivo más caro. Una de sus obras, propiedad de Eduardo Costantini, se exhibirá este año en Malba. Foto: AFP 

Chistes aparte, Koons, salido de las filas de la publicidad, es el artista vivo más caro. Se mudó a una casa histórica en el Upper East de Manhatan, tiene un barco gigante al que bautizó Ilona en recuerdo de su ex mujer, más conocida como Cicciolina, y un taller de chapa y pintura con 130 asistentes de donde salen piezas multicolores que se venden como pan caliente.

Eduardo Costantini compró dos esculturas con su firma para el proyecto de Bal Harbor, Florida, y la transacción fue noticia en The Wall Street Journal. Una de las "compras" se verá en breve en Malba antes de partir a Miami, su destino definitivo. El fenómeno Koons se traduce en las miles de personas que hacen cola en estos días para visitar su retrospectiva en el Pompidou de París. Es un éxito de taquilla superior al de Dalí.

La cafetera del Beaubourg, como se conoce al museo diseñado por Rogers y Piano para cambiar definitivamente la relación del público con el arte, ya batió su propia marca de visitantes. Koons promete ser el gran suceso del invierno boreal, como lo fue en el verano neoyorquino cuando la muestra se expuso en el Whitney de Nueva York. Fue la última muestra en la sede de Madison.

El Whitney se mudará en 2015 al meatpacking district con vista al río Hudson, a un edificio diseñado también por Renzo Piano y alquilará su antigua sede al Museo Metropolitano de la Quinta Avenida para que el Met exhiba allí su colección de arte contemporáneo. Los museos amplían sus fronteras.

En Buenos Aires, la expansión llegó a las galerías que buscan un formato acorde con la producción actual. Barro, Benzacar, Sendrós y Nora Fisch se instalaron en espacios con memoria fabril en La Boca y en Villa Crespo.

El nuevo mapa del arte se extiende a Barracas con propuestas inusuales. Una de ellas es Móvil, de Alejandra Aguado y Solana Molina Viamonte, líderes de una política de exhibición y comercialización diferente de todo lo conocido, apoyada con entusiasmo por la mecenas Érica Roberts. De eso se trata, de experimentar. Nada más acorde con la materia que tienen entre manos, el arte, en permanente estado de cambio y cuestionamiento.

Matías Duville, por ejemplo, un artista con reconocimiento internacional, exhibió este año en Londres sus dibujos y de regreso montó una instalación desmesurada en la galería de Nahuel Ortiz Vidal en la calle Gaboto, en La Boca. Una enorme estructura de metal con raíces en la naturaleza que tendrá, probablemente, destino museístico. En paralelo, artistas como Max Gómez Canle o Amaya Bouquet eligieron y eligen el pequeño formato y pintan mirando a los maestros con respeto y atención.

Despues de años en Florida 1000, en la galería fundada por su madre, Orly Benzacar se mudó a Villa Crespo. En la avant première hubo celebración, discursos, fajitas, amigos, artistas, coleccionistas y críticos. La inauguración formal será en el fin del verano con una muestra de Liliana Porter, argentina internacional y multidisciplinaria, ahora entusiasmada con el teatro tras el éxito de la obra presentada en 2014 en colaboración con Inés Katzenstein: Entreactos: situaciones breves (Teatro Sarmiento).

Responsable del programa académico de artes visuales de la UTDT, Katzenstein ha formado un claustro de docentes caracterizado por la tensión entre acción y reflexión. Son críticos, curadores y artistas en plena actividad, al frente de talleres dinámicos de corta y larga duración. La Di Tella mantiene una agenda de muestras internacionales, el programa de becas y el necesario rigor en la matrícula.

 

Triple Elvis (Ferus Type), de Andy Warhol, se subastó por 81.9 millones de dólares en Christie's de Nueva York. Foto: EFE 

En los claustros universitarios se viven también días de expansión. Hay carreras actualizadas y otras nuevas, centradas casi todas en la gestión y en la curaduría (UADE, USAL, UCA), dos pilares ligados estrechamente a la situación actual: crecen las instituciones y, con ellas, la necesidad de pensar en financiamiento; crece, también, la oferta de muestras temporarias, consecuencia inmediata de la demanda local pero también del turismo receptivo que considera a Buenos Aires una meca cultural con un patrimonio arquitectónico único.

También la Untref ha extendido su radio de influencia de Caseros a Puerto Madero con la apertura, en el antiguo edificio del Hotel de Inmigrantes, del Centro de Arte Contemporáneo, donde desembarcó la muestra Perder la forma humana, procedente del Reina Sofía y del Mali de Perú. En el cierre del año exhibió Nada está donde se cree, de Graciela Sacco.

Aníbal Jozami, fundador y rector de la Untref, integró este año el jurado del prestigioso premio Marcel Duchamp, que acompaña la edición anual de la FIAC (Feria de Arte Contemporáneo) en el Grand Palais, de París, y ha comprometido para la agenda de 2015 la presencia del brasileño Vik Muniz, un ilusionista de la fotografía que crea sus propias maquetas con materiales inusuales antes de ser fotografiadas.

Otro maestro de la ilusión es Leandro Erlich. Lleva recorrido un largo camino planetario con su instalación en trompe l'oeil: una fachada que se refleja en una gigantesca lámina espejada para desconcierto del espectador. La misma operación fue repetida con fachadas de París, Berlín, Buenos Aires y Montevideo, entre otras. El último destino, Seúl, confirma el magnetismo que sienten los orientales por la obra de este joven artista cuya próxima creación será un site-specific para la explanada de Malba.

El cambio de paradigma en el arte, "el extravío de los límites" del que hablaba años atrás el crítico Jorge López Anaya, tiene mucho que ver con el quiebre definitivo provocado por Andy Warhol respecto del lugar del artista en la sociedad. Sin Warhol, es probable que no estuviéramos hablando de Jeff Koons ni de Damien Hirst, quien contó con el fabuloso soporte publicitario de Charles Saatchi para llegar a la cima. Primero con la muestra Sensation y luego con la venta de sus obras por más de 200 millones de dólares el mismo día del derrumbe de Lehman Brothers.

Andy Warhol, gran promotor del marketing personal, pionero de las selfies con su ya mítica Polaroid, dio en la tecla al establecer una relación de dependencia mutua con las celebrities. Creó el personaje, pero también las imágenes a la medida de la sociedad de consumo. Ícono y mito. Oferta y demanda.

 

Leandro Erlich sorprendió con sus juegos de ilusión en Berlín (foto), París, Buenos Aires, Montevideo y Seúl. Foto: AFP 

Por si faltaba alguna prueba, llegaron los precios espectaculares pagados por obras que integraron las series de Elvis y Brando. Más de 150 millones de dólares en diez minutos y muchas manos en alto por un par de piezas que habían estado por años colgadas en un casino alemán.

En tren de mudanzas, quedará inaugurado en breve el edificio diseñado por Norman Foster para el Banco Ciudad. Finalmente, será ocupado por Mauricio Macri y la plana mayor de su gobierno. La movida es mucho más que estratégica, y supone también la consagración local del arquitecto inglés, lord de la reina Isabel II, elegido por Alan Faena para varios proyectos. Foster ha puesto su marca en Barracas y al hacerlo ha confirmado que el patrimonio no sólo se hereda, también se crea.

Año de museos nuevos y ampliaciones postergadas, el Mamba, marco de una sinuosa y aérea muestra de dibujos de las colecciones del Deutsche Bank y del propio museo, curada por Victoria Noorthoorn, tendrá los metros que espera y necesita tras el reciente acuerdo de cooperación firmado con el Banco Supervielle. Su gravitación museística se verá fortalecida con la posibilidad de exhibir la colección permanente.

En el otro extremo de la ciudad, sobre Figueroa Alcorta frente a la Facultad de Derecho, Mercedes Benz trabaja a toda máquina para inaugurar en otoño su versión de 900, restaurante-bar conectado directamente con el Museo Nacional de Bellas Artes y con la Asociación de Amigos, que este año dio un paso al frente al reabrir el auditorio en línea con los estándares internacionales. Un concurso de diseño y la oportuna alianza con Nuria Kehayoglu (El Espartano) llevó a buen puerto la renovación del espacio, ahora con la mira puesta en el cine y en un ciclo consagrado a los grandes clásicos.

Como parte de la programación de cine, que dirige Fernando Peña, Malba exhibió en 2014 la ópera prima de Marcos López sobre la vida y la obra del cantante Ramón Ayala, casi una coartada para remontar el Paraná y avanzar en un universo muy ligado a su inconfundible estilo chillón bautizado Pop Latino. Cuando Marcos habla de este hallazgo personal, que le dio una identidad a su trabajo, más que climas prefiere evocar texturas: esa sensación del codo apoyado sobre el mantel de hule húmedo en un día de mucho calor. Pegajoso. La película de Ayala, tras un estreno en Malba, con lleno total y aplausos cerrados, se puede ver ahora en Internet, en forma gratuita y con calidad HD.

Fuera de serie, hilarante y complejo en su aparente espontaneidad, el film La ballena va llena, un hit de 2014, merece ser exhibido en la próxima edición de la Bienal de Venecia, como sueñan los integrantes del clan fundacional: Juan Carlos Capurro, Tata Cedrón, Marcelo Céspedes, Pedro Roth y Daniel Santoro. Los diálogos entre los integrantes del colectivo la Estrella de Oriente en bares de Buenos Aires y las conversaciones telefónicas entre Begonia, de la Fundación Santander, y Pedro Roth, son de antología.

Le Parc, con sus instalaciones lumínicas, y Berni, representado por las serie de sus personajes emblemáticos y queribles, Juanito Laguna y Ramona Montiel, definieron la agenda expositiva de Malba en un año de cambios en la conducción. Agustín Pérez Rubio, español de Valencia, con experiencia internacional y el paso decisivo por el Musac de Castilla y León, es el director del museo de Figueroa Alcorta y San Martín de Tours, tras la gestión fecunda y decisiva todos estos años de Marcelo Pacheco.

 

Los retratos de Liliana Maresca realizados por Marcos López fueron exhibidos por la galería Rolf en París Photo. Foto: Gentileza Rolf

La muestra de Berni fue impulsada por Pacheco en colaboración con MariCarmen Ramírez, curadora de arte latinoamericano del Museo de Houston, Texas, quien siempre quiso llevar fronteras afuera esa identidad tan nuestra que atraviesa la obra de Antonio Berni, rosarino universal, el mayor artista argentino del siglo XX. Fue un esfuerzo descomunal reunir las obras que integran colecciones particulares y públicas de todo el mundo. Por primera vez se pueden ver las series completas de las criaturas de la narrativa de Berni. Juanito, al que sólo le falta salvarse de la colimba, según narraba Fernando García en estas páginas al presentar la llegada de los protagonistas viajeros a Malba, forma parte del imaginario colectivo. En ese Juanito hay muchos Juanitos, algunos redimidos, otros no.

***

En la apertura de la temporada del Malba el toque de glamour tuvo el inconfundible estilo de Mario Testino, peruano, ciudadano del mundo, quien trajo del Museo de Barranco, en Lima, la muestra de retratos de divas, modelos y celebrities.

La obra de Testino, amigo personal de Anna Wintour, legendaria editora de la Vogue americana, explora las posibilidades de la alianza arte & moda desde la lente de la cámara. Testino lo hace a su manera, sin negar el legado de maestros de la talla de Chambi, Helmut Newton, Richard Avedon o Cecil Beaton.

***

Con 25 salas, una agenda de exposiciones que incluyó la décima edición de Buenos Aires Photo y más de un millón de visitantes por año, el Centro Cultural Recoleta se consolida como la mayor vidriera del arte en la Argentina. En 2014 se destacaron la muestra de Jorge Demirjian, que continúa hasta febrero, y las de Humberto Rivas, Rómulo Macció y Marcos Zimmermann.

La Fundación OSDE exhibe hasta enero fotografías de Ramón Gómez Cornet, después de haber presentado otras dedicadas a la figura del artista, al realismo como vanguardia en la década de 1930 y a las apropiaciones de lo cotidiano en la escena contemporánea, además de intervenciones de José Luis Anzízar, Daniel Joglar y Florencia Levy, por citar algunos. Y el Pabellón de las Artes de la Universidad Católica Argentina dedicó sus salas a las obras de Cecilia Duhau, Karina El Azem y Jorge Canale, entre otros.

***

El cierre del año en Buenos Aires fue para Proa con la llegada del chino Cai Guo-Qiang. Invitado por Adriana Rosenberg, ofrece una serie de telas y papeles inspirados en un viaje por el Norte argentino y por las Cataratas.

 

Ramona Montiel y Juanito Laguna, las grandes creaciones de Antonio Berni, pueden verse en Malba hasta febrero. Foto: Gentileza MALBA

Durante horas, con paciencia oriental y un equipo de colaboradores, mostró a la audiencia reunida en un galpón de La Boca qué es lo que hace y cómo lo hace. Esa mezcla de obsesión y azar, de causalidad y casualidad tiene poco que ver con todo lo conocido. El resultado está a la vista en las salas de Proa: pinturas pintadas con pólvora inspiradas en el recuerdo de lo inmediato.

Cai prepara la segunda parte de sus presentaciones en Buenos Aires. Esta vez serán fuegos artificiales con el fondo del Puente Avellaneda el 24 de enero de 2015. Más detalles en la próxima edición de adn. A modo de anticipo: la inspiración esta vez será el tango. Pintar en el cielo el dos por cuatro.

***

El año que termina será recordado también por la explosión de las ferias latinas. Un collar de ferias continentales confirma el lugar que ocupa hoy el arte latinoamericano en las colecciones privadas y en la agenda de los museos. El último eslabón fue Pinta en su versión de Miami, Florida, y en sintonía con la espectacular movida de Art Basel. Fueron 23 ferias satélites dispuestas para conquistar la audiencia formada por compradores, coleccionistas, turistas y curiosos con ánimo de disfrutar la maratón hasta que las velas no ardan. Este año el balance fue unánime: la mejor de todas. Precios por las nubes, obras excepcionales y la certeza de que la fórmula patentada por los suizos adaptada al dulce clima de South Beach resulta imbatible.

Para Diego Costa Peuser, editor de Arte al Día y director de Pinta, la coronación de Miami como una meca del arte es casi una profecía cumplida. Hace rato que recorre el espinel que va de Ch.ACO en Chile a ArtBo en Colombia, de Art Rio en tierra carioca a Parc, en Lima. El mundo es ancho pero no ajeno .

 

Los collages de Matisse, un éxito en la Tate de Londres y en el MoMA de Nueva York. 

Esto pueden decir también los uruguayos capaces de montar la 2a Bienal de Montevideo con más pasión que recursos. Fue otra vez Erlich el elegido del público en el imponente marco del Banco de la República. Dos apuntes para cerrar este panorama: arteBA se consolidó como la gran feria de arte contemporáneo del Cono Sur, aunque sus ambiciones sean continentales. Sigue siendo una asignatura pendiente multiplicar las ventas y ampliar el círculo de coleccionistas, sin perder de vista que la apuesta de Julia Converti y del equipo curatorial es potenciar lo mejor del arte contemporáneo argentino.

Queda para el final el saludo al maestro. La legítima conquista de Matisse. Esa obra única, originalísima, hecha con papeles pegados, cortados a punta de tijera, deslumbró primero en la Tate Modern de Londres y ahora un éxito absoluto en el MoMA de Nueva York. Una nueva creación en la vida de un artista que lo había hecho casi todo. Tenía que ser Matisse..

Erotismo: de cómo Buenos Aires atravesó el cuerpo femenino de la pintura en el siglo XIX

Historia. Una muestra investiga los cambios que atravesó en la Buenos Aires del siglo XIX la representación del cuerpo femenino en la pintura.

por Julia Villaro

El arte está lleno de cuer pos desnudos. Desde el “Discóbolo” de Mirón hasta el “David” de Miguel Angel, pasando por incontables Evas, Adanes, Jerónimos, Europas, Proserpinas; Susanas y Salomés bailando para conseguir la cabeza de un hombre o contemplándose en actitud provocadora. El arte está lleno de esos cuerpos desnudos: durante siglos los artistas –y sus comitentes– han debido perfumar de historias bíblicas y míticas esta necesidad de imágenes, para cumplir con las reglas del decoro y eventualmente no morir en la hoguera o en la condena e indiferencia de críticos, colegas y clientes. Pero hacia el siglo XIX –con el asentamiento definitivo de la burguesía– cambian los cuerpos y los deseos; cambian las relaciones de género y cambia entonces también la imaginería erótica para adaptarse a este nuevo consumo. Un consumo cada vez menos subrepticio, unas obras cada vez más polémicas, con figuras femeninas emancipadas de la Iglesia y la Grecia antigua que pasan del desnudo desposeído a la seducción de la femme fatale. Ese pasaje es el que busca reconstruir la muestra La seducción fatal, imaginario erótico del siglo XIX en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Pensada desde el estudio riguroso y apasionado de su curadora Laura Malosetti Costa, la muestra se organiza a través de ejes que estructuran este universo pictórico. Pero además de exhibir pinturas y esculturas –la mayoría patrimonio del mismo museo– se propuso reconstruir el universo simbólico y visual en el que estas imágenes circularon; aparecen entonces grabados, fotografías, libros, películas, publicidades, el tango y la milonga: “Hay aquí una invitación a pensar sincrónicamente los distintos circuitos y públicos para este tipo de representaciones y la incipiente cultura de masas en la ciudad”, dice Malosetti en el catálogo. Una ciudad en la que por entonces despertaba una incipiente y pintoresca elite fervorosamente euro-céntrica y modernizante; en la que también proliferaban los burdeles, la prostitución y la trata de personas.

Entre velos y desenfados se construye el viraje del siglo y la muestra se presenta como una cartografía de ese movimiento. Porque no es sólo una cuestión de inhibiciones y desinhibiciones lo que se juega en estas obras: hay implícitas relaciones de sometimiento y poder, alusiones a la esclavitud, cierta cosificación del cuerpo femenino y fuertes construcciones ideológicas en torno al otro –sea la mujer, Oriente o el indio– en las que el Occidente blanco y moral juega todas sus cartas para la imposición simbólica. Inscriptas dentro de la muestra en una larga tradición de obras vinculadas al tema del rapto –el de Psique por Eros, el de Proserpina por Plutón, el de Helena por Paris, son sólo algunos ejemplos– aparecen los numerosos raptos pictóricos de mujeres blancas por malones indios que acompañaron la campaña del desierto en Argentina. Cautivas de torsos y piernas desnudas que brillan como gemas entre el marrón barroso de tehuelches y ranqueles. Cuerpos que parecen vincularse más por el deseo que por el terror –la cautiva pintada por el taller de Della Valle reposa serenamente en el hombro de su indio– cuyo erotismo no sólo consiste en la desnudez de los cuerpos sino en el vínculo violento y apasionado que se teje entre ellos: un vínculo peligroso, en tanto colabora en la construcción de una mujer que desearía ser raptada y sometida.

Pero la violencia implícita en las obras también fue soslayada con otros recursos, como el que en la muestra se denomina la mirada orientalista. Pinturas de mujeres desnudas amordazadas o encadenadas proliferaron en los salones europeos –y en consecuencia en las incipientes colecciones de arte argentinas– aceptadas con naturalidad siempre y cuando se tratara de esclavas, odaliscas, santas o heroínas antiguas. Al interior de esta iconografía también hay cambios de tono: poco tiene que ver la “Mujer oriental” de Severo Rodríguez Etchart –que blanca, rubia y lampiña, posa– con la “Odalisca” de Quinsac Monvoisin, sola en la intimidad de su cuerpo, sus brazos levantados dejando ver el vello bajo las axilas, también en el pubis; los ojos entrecerrados, la expresión de goce en el rostro. Nada en común con la “Joven oriental” de la italiana Juana Romani: el cabello rojizo, el cuerpo erguido y de frente, los ojos mordaces interpelando a los espectadores. Sobre el cuerpo una camisa que tapa los brazos, abierta con desenfado deja ver sus pechos. En esta obra –que es un autorretrato– el título parece funcionar de forma irónica: Juana, que además de pintar solía trabajar como modelo de artistas en París, debía conocer a la perfección el ambiente en el que estas pinturas se construían.

Es difícil trazar la frontera que separa el señalamiento de la violencia implícita al interior de muchas de estas obras –y que sólo se advierte a partir de una relectura crítica– de la mirada moralizante de un cierto sector social que se escandalizó por las pinturas –nunca por la prostitución, la trata o la violencia– y ejerció su condena desde un lugar conservador y a-crítico. La muestra señala ambas cosas y traza esa diferencia de forma eficaz.

La sección Desnudos, voyeurismo y transgresión puede resumirse en dos obras clave de la colección del Museo de Bellas Artes: la “Ninfa sorprendida” de Edouard Manet y “El despertar de la criada” de Eduardo Sívori. En la primera, una ninfa rubia de piel fina se sobresalta ante la aparición del espectador y cubre sus partes mientras sus mejillas se ruborizan levemente. Está inmersa en un paisaje bucólico, completamente desnuda, sus joyas –único y ampuloso atavío de casi todos estos seres construidos para el deleite masculino– se encuentran ahora sobre el pasto. En la segunda –motivo de innumerables controversias– no encontramos ya una ninfa, ni siquiera una bailarina, sino una criada de piel gruesa, de callos y pelo renegrido, también completamente desnuda contra la chatura de su cuarto gris. Aquí las joyas han sido reemplazadas por un candelabro triste y un par de chinelas; la criada no advierte que se la observa: tiene la mirada baja, concentrada en las medias que pronto irá a vestir. Es la irrupción polémica de una nueva figura femenina dentro de la iconografía del desnudo –que además asiste mediante el detalle de la media, a una larga tradición de imágenes eróticas con este mismo motivo–; ni mítica ni bíblica; una mujer trabajadora, con una sensualidad que trasciende y a la vez se instala en su cuerpo robusto, moldeado por el trabajo y ya no por los perfumes, las joyas y los polvos. Dos desnu dos más irán a sacudir el tablero de la plástica nacional unos años antes y después de la criada de Sívori. El primero es “El baño” de Prilidiano Pueyrredón. Por esta obra (y otras) en la que vemos también el cuerpo desnudo de una criada –el rostro despreocupado, el cuerpo insinuado debajo del agua– el artista fue condenado y sometido a toda clase de rumores y juicios. El segundo es “Reposo”, obra simbolista de Eduardo Schiaffino –pintor y primer director del museo, responsable de gran parte de la colección del mismo, detractor de la obra de Pueyrredón mencionada hace unas líneas–, el desnudo de espaldas de un cuerpo andrógino, sobre un fondo azul que parece sumir al personaje en una suerte de sueño extasiado. La sensualidad comienza a reconfigurarse y la obra es una apuesta por la sugerencia y la ambigüedad como motores eróticos.

Los albores del siglo XX son para mujeres de armas tomar. Seductoras fatales y musas modernas se denomina esta parte de la muestra, con obras en que la seducción ya no está en la desnudez sino en una actitud desenfadada y unos ojos en exceso delineados: entre poseídas y poseedoras; ni odaliscas ni cautivas, sino mujeres que comienzan a tomar las riendas de su vida y de su cuerpo: el gesto provocativo de la dama de Manicure de Caro-Delvaille y sobre todo la Musidora de Romero Torres, el retrato de la actriz francesa que encarnó a Irma Vep en la serie Los vampiros y que posteriormente se convirtió en musa de los surrealistas.

Si no fuera por la mirada crítica que propone la muestra, sería difícil para nosotros, espectadores del siglo XXI, hallar erotismo o pornografía en estas imágenes. Paradójicamente en un mundo en el que las imágenes –y las imágenes de cuerpos desnudos– nos asedian de todos lados, el erotismo –en tanto intimidad y sugerencia– está en grave peligro de extinción.

FICHA
La seducción fatal. Imaginarios eróticos del siglo XIX

Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, Av. Del Libertador 1473
Fecha: hasta el 15 demarzo de 2015
Horario: martes a viernes, 12:30 a 20:30; sábados y domingos, 9:30 a 20:30
Entrada: gratis